Лучшие фильмы 2021 года
В 2020 году все ожидали, что 2021 год станет годом ренессанса для индустрии кино. Карантины и локдауны закончатся, кассовые сборы вернутся на прежний уровень, премьеры будут выходить каждую неделю, и мы все благополучно забудем про ковидные времена.
Не то чтобы не произошло никаких улучшений, напротив, движение вперед совершенно очевидно. И все же, ожидаемого рывка не состоялось. Карантин в той или иной мере периодически возобновлялся, премьеры переносили (и переносят до сих пор), даже самые громкие проекты не собирали кассу на былом уровне, а в некоторых случаях финансовая ситуация и вовсе повергала в уныние: «Не время умирать», последний фильм о Бонде с Дэниелом Крейгом, собрал больше 700 миллионов долларов в прокате, и этого все равно оказалось мало для того, чтобы он окупился. Сыграли свое постоянные переносы — выросли затраты на продакшн и маркетинг, в итоге выводить проект на безубыточность будут уже с помощью потоковых сервисов и продажи прав телекомпаниям.
Но самое главное — несмотря на все сложности, индустрия продолжила выпускать хорошее кино. Составляя традиционную двадцатку лучшего за год, мы ориентировались не только на год выхода фильма, но и на год его появления в украинском прокате (если таковой был). Порядок расположения фильмов в статье значения не имеет.
Итак, kinowar.com представляет 20 лучших фильмов 2021 года.
Если говорить о том, что хорошего принес этот год — это две премьеры от Ридли Скотта. Впечатляет то, как в возрасте 84 лет режиссер настолько четко управляет замыслом и снимает картины такого масштаба. Сколько критических стрел было запущено в Скотта после «Чужой: Завет» (который, кстати, нам по-прежнему нравится), только ленивый не написал про то, что «дед сдулся» и «дедушке пора отдохнуть». Собаки лают, караван идет. Каждый новый проект режиссера по-прежнему является одним из самых ожидаемых фильмов года.
Подобно «Расёмону» Акиры Куросавы, Ридли Скотт разложил историю на три версии произошедшего от трех главных героев. Жан де Карруж (Мэтт Дэймон) предстает заслуженным и бесстрашным воякой, слишком принципиальным, чтобы не нажить врагов. Его друг Жак Ле Гри (Адам Драйвер) выглядит исчадием ада, приспособившимся к прислуживанию сильным мира сего и поправшим узы дружбы. Однако уже в версии Ле Гри бесстрашие и принципиальность Карружа ставятся под сомнение. Теперь рыцарь выглядит туповатым самовлюбленным мужланом, которого его более разумный товарищ пытался вытащить из денежной ямы. В финальной версии от Маргариты де Карруж (Джоди Комер) к этим чертам супруга добавляется совершенное неумение относиться к своей жене как к чему-то большему, чем вещи, которая ему принадлежит. Но и Ле Гри здесь насильник, который может и не такой туповатый, как Карруж, но слишком самовлюбленный и самоуверенный. В итоге, во всех трех версиях страдает женщина — жертва изнасилования, которой теперь грозит смерть на костре.
Скотт пошагово воссоздает гнетущую реальность средневековья, давая понять, насколько далеко шагнуло человечество в борьбе за свободы каждого, вне зависимости от пола, достатка и происхождения. Реалистичность картины выходит на пик в батальных сценах — такой динамики боев на мечах и копьях зритель еще не видел, а уж сцена самой дуэли между Карружем и Ле Гри не дает оторваться от экрана ни на секунду, настолько это сумасшедший сплав насилия, напора и ударной мощи.
Мэтт Дэймон вышел на очередной пик своей карьеры. Помимо драмы Ридли Скотта, о которой мы рассказывали выше, он также снялся в триллере «Стиллуотер» (часто проходит также под названием «Тихий омут»), за роль в котором в Каннах его удостоили продолжительной овации. И это было вполне заслуженно: актер показал «обычного человека» в тяжелых обстоятельствах как настоящий мастер. Без перегибов, без попыток сыграть на эмоциях там, где этого не требуется, без вздувающихся жил на лбу — спокойно и размеренно, вступая лишь там, где нужно.
Дэймон играет обычного рабочего, без серьезных денежных запасов, который мотается между маленьким городком в Оклахоме и Марселем, где в тюрьме сидит его дочь, обвиняемая в убийстве. Во время очередного визита он узнает о новом шансе доказать невиновность дочери. Адвокаты отказываются даже разговаривать на эту тему, и отец берет дело в свои руки. Он оказывается в чужом мире в стране с другим языком (для жителей глубинки США это в принципе параллельная вселенная), где никто не собирается помогать ему. Более того, его собственная дочь не доверяет отцу и считает его неудачником. Отчасти, она имеет на это право, ведь ранее он пил, что привело к потере денег, любви, уважения, нормальных отношений в семье. Но даже сейчас, когда он становится ее единственной надеждой на правосудие, дочь настолько ему не доверяет, что даже не открывает той информации, которую передает адвокату — отец узнает об этом случайно.
Перенос действия из США во Францию помог фильму отойти от голливудских шаблонов — это кино больше похоже на европейское, чем на стандартное американское. Здесь не будет героев, которые в состоянии справиться с любыми проблемами. Как бы отец ни хотел помочь дочери — он лишь обычный человек, у которого хватает проблем. И они преумножаются, когда он наконец хочет сделать что-то хорошее.
Последний фильм о Джеймсе Бонде с Дэниелом Крейгом в роли агента 007 откладывали столько раз, что название «Не время умирать» постепенно приобрело совершенно иной смысл. Когда это время все же настало, и премьера состоялась, выяснилось, что ожидание того стоило: фильм стал одним из лучших в серии, оставляя первенство (возможно) лишь за «Казино Рояль».
Режиссером выступил Кэри Фукунага, который в очередной раз доказал, что успех «Настоящего детектива» был не случаен. Ему удалось объединить динамику боевика и увлекательность драмы. Бонд от Крейга изначально был куда более живой и реалистичный, чем его предшественники — в «Не время умирать» он вновь показал свою человечную сторону.
Но это совершенно не вредит напряжению на экране. Первые минут тридцать оторваться от происходящего и вовсе невозможно, слишком концентрированно поданы погони, перестрелки и угрозы для жизни Бонда и его возлюбленной (прекрасная Леа Сейду). Затем нам удается сделать выдох, но лишь для того, чтобы вновь погрузиться в атмосферу боевика на Кубе, в США и других уголках мира. Сюжет связывает перипетии «Казино Рояль» и «Спектра» с нынешними событиями, периодически вспоминаем о Веспер (Ева Грин), вновь встречаемся с Эрнстом Блофельдом (Кристоф Вальц), а также с постоянными участниками бондианы в исполнении Рэйфа Файнса, Бена Уишоу, Джеффри Райта, Наоми Харрис и Рори Киннира. Из новых лиц — главный злодей Рами Малек и поучаствовавшая в ярком кубинском эпизоде Ана де Армас.
Не все идеально: образ главного антагониста смазан, разборки с ним Бонда в финале картины, как обычно, не всегда поддаются логике, но это все простительные мелочи на фоне драматичного завершения очередного витка истории агента 007, которую теперь продолжит кто-то другой.
Дени Вильнёв подхватил еще одну знаковую франшизу 80-х — и вновь не подвел. Предыдущей работой режиссера стал сиквел «Бегущего по лезвию» Ридли Скотта — «Бегущий по лезвию 2049». В случае с «Дюной» речь шла уже не о сиквеле, а о новой экранизации произведения Фрэнка Герберта, но сравнения с другим великим режиссером — Дэвидом Линчем — были неизбежны. Вильнёв в очередной раз справился с прессингом ожиданий и критики. Его «Дюна» вышла такой, какой мы и надеялись ее увидеть — масштабной, эпичной, впечатляющей, но при этом связной, цельной и понятной. Несмотря на то, что вышла первая часть истории, она является вполне законченным произведением, а не просто затравкой для продолжения. Второй фильм выйдет в 2023 году, и стоит ли говорить о том, насколько он ожидаем.
Много говорили о том, насколько новый актерский состав сможет дотянуть до версии 1984 года (и понятное дело, многие сбивались на понятную риторику о том, что «раньше было лучше» и «Пола Атрейдеса от Кайла Маклахлена превзойти невозможно» — так говорили даже те, кто последний раз смотрел «Дюну» еще в 80-х и уже толком не помнит, что там вообще происходит). Разумеется, никаких проблем с актерами не возникло. Как можно сомневаться в актерском ансамбле, в который входят Стеллан Скарсгард, Шарлотта Рэмплинг, Джош Бролин, Оскар Айзек, Ребекка Фергюсон и Хавьер Бардем? Тимоти Шаламе вновь органичен в своей роли и производит едва ли не самое сильное впечатление из всего состава. Актеру часто ставят в упрек недостаточную мужественность, однако в том и суть: он не пытается играть супергероя. Он не поигрывает мышцами, не изображает брутального мужчину. Это юноша с большим потенциалом, который достигает своего не в кулачном бою. И в жизни, и на экране такие персонажи реальны — не каждый должен выглядеть как Дэйв Батиста.
Что до последнего, то пока ему предоставили не слишком экранного времени, а потому ожидаем его перфоманса во второй части. Еще один превосходный атлет — Джейсон Момоа — также нашел свое место в картине, представ веселым, располагающим к себе, но при этом беспощадным в бою и преданным своему делу.
Если музыку к фильму создает Ханс Циммер, то в отзыве о фильме невозможно об этом не написать. Композитор продолжает свою линию использования музыки как продолжения звуков картины, а не просто мелодии. Это влияет на запоминаемость мелодий из фильма, но зато по атмосфере в зрительном зале это абсолютно верное решение. Бесконечные пески и восточные напевы от Циммера в «Дюне» практически неразделимы.
Леос Каракс вернулся в большое кино после почти десятилетнего перерыва. Его последний фильм «Корпорация «Святые моторы»» снискал хвалебные отзывы критиков, хотя широким массам, несомненно, был не слишком понятен. И в этом сложно кого-то винить: это тяжелый для восприятия фильм, сотканный из слабо состыковывающихся между собой эпизодов, которые может и интересно наблюдать, но сложно отчетливо проанализировать.
В случае с «Аннетт» зрителю куда проще, даже если он не жалует артхаус. Это прямая линейная история, пусть и наполненная метафорами и иносказаниями. По формату это мюзикл, но тексты составлены таким образом, что это не усложняет повествование. В результате история о паре, которая постепенно проходит путь от любви до ненависти и преступления, считывается не сложнее, чем история из стандартной голливудской мелодрамы. Но при этом картина максимально далека от шаблонов мэйнстримного американского кино. Во многом это заслуга авторов музыки и сценария — группы Sparks. Братья Рон и Рассел Мэйлы — пример творческого долголетия, не менее впечатляющий, чем Ридли Скотт, их карьера длится уже пятьдесят лет. Несмотря на почтенный возраст, они по-прежнему готовы к экспериментам, даже таким отчаянным, как съемки арт-мюзикла с Леосом Караксом.
Адам Драйвер играет успешного стендап комика. Марион Котийяр — не менее успешную оперную певицу. Они совершенно непохожи, но они вместе, влюбленные и счастливые. У них рождается дочь, но далее история пасторального счастья завершается. Карьеры рушатся, жизни обрываются, и на этом фоне чудесный дар маленькой девочки, дочери героев Драйвера и Котийяр, становится лучом во внезапно обрушившейся на семью тьме. Но надолго ли?
Саундтрек к картине в полном объеме выложен группой Sparks на YouTube, его можно прослушать по ссылке
Вот уж какой фильм мы не ожидали бы увидеть в списке лучшего за год. По трейлеру все выглядело как стандартная комедия с Райаном Рейнольдсом в привычно уже для него амплуа милого придурка, который справляется с любыми трудностями, отпуская шутки 18+. И в принципе, именно это мы и увидели на экране, за исключением разве что характеристики «стандартная». У режиссера Шона Леви, который до этого снял массу забавных, но не слишком глубокомысленных комедий, получилось свежее, доброе, динамичное, увлекательное, а самое главное — веселое кино. Голливуд снимает очень много комедий, но едва ли за год наберется десяток, которые со спокойной душой можно порекомендовать посмотреть другу. «Персонажа» — можно.
Главное — не лезть в дебри серьезного аналитического разбора фильма. Не воспринимать его как новую «Матрицу» или что-то подобное. Да, фильм погружается в проблематику излишнего увлечения виртуальным миром и ценности жизни «второстепенных» персонажей. Но это не психологическая драма, не философское изыскание на тему, не переосмысление, не слом шаблонов — это просто веселая комедия. Так можно. Можно снять просто развлекательное кино, и не более. Это не зазорно снимать. И это не зазорно смотреть.
Большой удачей стал подбор актеров. Рейнольдс нашел свое амплуа и не собирается с него соскакивать (в какой-то момент придется, но пока что это работает), Джоди Комер хороша и в драме, и в комедии (в принципе, это было понятно еще на этапе «Убивая Еву»), Тайка Вайтити в состоянии оживить любой, даже самый безнадежный сценарий. Самым неожиданным и оттого эффектным появлением можно назвать Ченнинга Тейтума — вот кто изголодался по тому, чтобы просто повалять дурака в кадре. Собственно, это лучшая характеристика для этого фильма: как валять дурака в кадре и заставить всех смеяться (и при этом выйти в плюс в мире ковидного этапа кинопроката).
Может ли Pixar снять плохой мультфильм? На фоне успеха прошлогодней «Души» казалось, что выше в ближайшее время уже просто не прыгнуть. И вполне возможно, что это так. Но студия пошла не ввысь, а вглубь. Вместо того, чтобы пытаться придумать новый формат или подход, она поработала с классическим рецептом успеха — хорошая трогательная история. Без современной повестки, без попытки шокировать, без стремления быть инноваторами. В общем, как старый добрый Disney, только не по его устаканившимся лекалам, а с большей изобретательностью, присущей Pixar.
Два случайных товарища — не простые парни, а подводные монстры. Точнее, они только выглядят как морские чудовища (равно как и их семьи), а на деле — милые ребята, с простыми жизненными устремлениями. Когда они выходят на берег, они обретают человеческий облик, но при контакте с водой вновь превращаются в морских страшил. Жизнь на берегу с людьми манит ребят, они готовы покинуть привычный подводный быт ради новых впечатлений. Но родители одного из мальчиков не готовы отпустить свое чадо в опасный новый мир. Они также покидают подводное царство и направляются на солнечное итальянское побережье.
Именно нота Италии является тем ингридиентом, который позволяет довести новое блюдо аниматоров до успеха. Солнечные позитивные пейзажи, ощущение, что жизнь хороша и беззаботна, итальянский акцент и кухня — все это так вкладывается в настроение простого душевного мультфильма, что просто расслабляешься в кресле и наслаждаешься приключениями героев.
Румынское кино — не частый гость в нашей видеотеке. Но главный приз Берлинского кинофестиваля заставил всех интересующихся кино повернуть головы в сторону картины с провокационным названием. Порно действительно присутствует, равно как и неудачный секс: за интимное видео, попавшее в интернет, родители и школа подвергают молодую учительницу остракизму. Примеров такой позиции общества мы видим в наше время немало, достаточно вспомнить скандал вокруг поста помощницы главы ЦИК, которая в личном блоге под псевдонимом Bad Mama написала о неудачном опыте использования вибратора, который ей подарили. В итоге, ей пришлось уволиться с должности из-за общественного резонанса и массы негативных комментариев. А ведь это был всего лишь текстовый рассказ (более того, вибратор оказался неисправным, то есть это даже не рассказ о сексе), что уже говорить о видео?
Равно как и помощницу главы ЦИК, общественность начала сподвигать учительницу к увольнению за недопустимое поведение. Но она отказалась сдаваться так просто, ведь в чем, по сути ее вина? Далее представлены три варианта развития этой истории, каждая из которых подводит к тому, что общественная мораль выглядит куда более пошло и цинично, чем то самое хоум-видео, из-за которого начался весь сыр-бор. А вот порно зачастую смотрится естественнее и честнее, чем попытки объяснить, почему это плохо.
Восторг после выхода первого фильма. Радость от того, что Джон Красински оказался не только хорошим актером, но еще и талантливым режиссером. И сомнение — удастся ли дважды войти в одну реку? Не будет ли это лишь коммерчески успешным, дотянет ли история до уровня первой ленты?
К счастью, Красински решил делать все на совесть. На сей раз он был уже не соавтором, а полноценным автором сценария, и снова выступал режиссером. Историю было решено развивать не только вперед, но и назад, поэтому получился одновременно и сиквел, и в какой-то мере приквел. Более того, эту вселенную можно будет растить и вширь, ведь причины появления монстров, реагирующих на звук, пока так и не раскрыты. Это как вселенная Чужих — сначала снимали фильмы о том, как с ними бороться, потом о том, как ксеноморфы выживают, а уже потом постепенно стали подходить к разгадке того, как они появились и кому это было выгодно.
Семья, оставшаяся без отца, продолжает поиски людей. Но как их встретят выжившие? Будут ли они подмогой? В каком психологическом состоянии они находятся? Есть ли шанс на былую беззаботную жизнь, в которой ты не контролируешь каждый звук, который ты издаешь? Эмили Блант, как всегда, на высоте, а дополнивший актерский состав картины Киллиан Мерфи также пришелся ко двору.
Ждем ли мы продолжения/расширения этой истории? Однозначно да.
Многие скажут, что этот фильм держится исключительно на Энтони Хопкинсе. И мы не будем с этим спорить. Не потому, что с фильмом что-то не так. Напротив, сценарий, режиссура, операторская работа — все на высшем уровне. «Все на Хопкинсе» потому, что это такой тип фильма, когда разбираются переживания, ход мыслей и меняющееся восприятие реальности одного конкретного человека. А кто покажет этот внутренний процесс так, чтобы его считали зрители, лучше сэра Энтони?
Дебютная режиссерская работа Флориана Зеллера показывает (или, по крайней мере, пытается показать), как выглядит деменция с точки зрения человека, который ей страдает. Что он чувствует, что он испытывает в общении с людьми, в том числе с самыми близкими. Рациональный, умный человек в мгновение ока попадает в ситуацию, где ему находиться крайне неуютно. Он не понимает, как он в нее попал и что из происходящего реально. Он чувствует, что кто-то что-то замышляет, чтобы заставить его страдать — и порой это, опять же, родные и близкие — потому что по-другому происходящее не объяснить. А главное, правила игры меняются каждый день, а то и чаще. Каждая новая сцена приносит изменение обстоятельств и новые сложности для главного героя. И хэппи-энд в такой парадигме вряд ли возможен по определению.
Об игре Хопкинса можно говорить бесконечно, и все равно это будет актуально. Время от времени при просмотре «Отца» просто физически больно. Это даже не сопереживание и не сочувствие персонажу — это следующий уровень, когда ты чувствуешь боль, потому что кажется, что страдает твой родной человек. Отметим и работу Оливии Колман, чей убедительный перфоманс также теперь уже воспринимается как нечто само собой разумеющееся, но от этого менее ценным не становится.
Могут ли быть правы те критики, которые говорят, что новая лента Уэса Андерсона лишь калейдоскоп быстро меняющихся стильных картинок, где именитые актеры пролетают, не оставляя в памяти зрителя понимания, зачем они вообще появились здесь? Могут. Может ли быть справедливым мнение, что режиссер не показал ничего нового и использовал все свои привычные приемы, как визуальные, так и смысловые? Вполне. Ошибаются ли те, кто пишет, что в этой картине нет никакого смысла, и его можно скорее не найти, а придумать? Вероятно, они не ошибаются. Но значит ли это, что с «Французским вестником» что-то не так? Отнюдь.
Андерсон — уникальный режиссер. Мы сейчас не о его таланте и художественных инновациях, мы о том, что он умудряется совмещать арсенал мэйнстримного киношника, когда рассказывает историю, и наполнение артхаусного мастера, когда дело доходит до разбора «что это было?». Как у многих испанских и французских режиссеров авторского кино, в его лентах нет четкого ответа на вопрос, который ставит картина (а зачастую она их и не ставит вовсе). При этом его кино может смотреть любой неподготовленный зритель, поскольку стиль изложения, и визуальный, и рассказчика, увлекает, интригует, затягивает, запоминается. Возможно именно поэтому в первой из трех новелл фильма он рассказывает историю создания модернистского шедевра, который берет начало в психиатрической клинике, проходит все стадии коммерческой обработки, а затем занимает свое место в истории — и кто скажет, по праву или нет?
В первой новелле в центре фокуса великолепные Бенисио Дель Торо, Леа Сейду и Эдриен Броуди, во второй (про студенческий протест) Тимоти Шаламе (очередная яркая роль молодого актера) и Фрэнсис Макдорманд, в третьей (про похищение ребенка) Джеффри Райт и Билл Мюррей (хотя он непосредственно не участвует в истории, а лишь правит статью о ней). Как всегда у Андерсона, комично (но не пошло), визуально безупречно (и, естественно, отцентровано), динамично (но не напрягающе), с легкой грустью — в общем, если зритель любит фильмы этого режиссера, то ожидания максимально совпадут с увиденным.
Когда собираешься посмотреть этот фильм, думаешь о том, что стоит посмотреть хотя бы из-за Бенедикта Камбербэтча. В итоге понимаешь, что именно из-за Камбербэтча этот фильм в принципе стоило создавать. До определенного момента это стандартная шпионская драма о внедрении гражданского в важную разведывательную миссию. Таких фильмов десятки, их сюжеты развиваются по привычному почти идентичному пути, в финале либо все хорошо, злодеи наказаны, герои торжествуют, либо хороший парень героически погибает, спасая близких и страну (или мир). Примерно час повествования все шло ровно по той же схеме (что не значит, что это плохо — это было интересно смотреть), но главное началось практически у самого, как казалось, финала.
Когда миссия идет не по плану, это может отразиться не только на ходе самой миссии, но и на ее участниках, а также их родных и близких. И если обычно это краткий эпизод в фильме (а то и вовсе текстовые упоминания перед финальными титрами), то здесь на демонстрации последствий развернулась основная драма фильма. И здесь по максимуму показал себя и Бенедикт Камбербэтч. Он изменился и чисто внешне (очень значимо), и эмоционально. Последние тридцать минут фильма проходят под титулом в голове зрителя «ох, я этого не ожидал».
Впечатляющим обстоятельством с точки зрения сценарной и режиссерской работы является также то, что фильм основан на реальной истории действий разведки во время Карибского ракетного кризиса. То есть, ты не можешь слишком изворачиваться в сюжетных поворотах в угоду сюжету — есть определенные ограничения, которые не слишком расширяются с помощью художественного вымысла. Часто это очень ограничивает авторов и может сделать развязку скучноватой, но в случае со «Шпионскими играми» создатели картины мастерски это обстоятельство преодолели.
И сразу еще один фильм с Камбербэтчем, и вновь по реальной истории. Здесь, правда, он хоть и играет одну из главных ролей, он все же находится на втором плане. В центре внимания выступают Джоди Фостер и Тахар Рахим, играющие адвоката и подзащитного. Последнего обвиняют в связях с террористами, и правительство можно понять: его брат связан с Аль-Каидой, в его телефоне номера террористов, сам он в молодости также был замечен в их тренировочном лагере. Если умножить это на период, когда происходят события — после террактов 11 сентября 2001 года — то напряжение министерства обороны США вполне объяснимо. Однако то, что происходит дальше, нельзя оправдать заботой о национальной безопасности (хотя именно это и происходило на протяжении очень долгого срока), поскольку заключенного содержат под стражей без предъявления обвинения несколько лет, а в процессе допросов применяют пытки.
Тюрьма Гуантанамо на американской части Кубы является одной из самых жестоких среди существующих, и с течением времени название ее стало прочно ассоциироваться с пытками и превышением полномочий. По сути, фильм — это одна из историй, после раскрытия которых широкой общественности, что-то стало возможным изменить. Фильм постоянно держит в неопределенности: может, Ульд Слахи на самом деле террорист, может он просто играет на теме недопустимости нарушения закона армией даже из соображений национальной безопасности? При этом военный прокурор, которого играет Камбербэтч, столь же принципиален, как и адвокат. Он не делает свою работу из чувства мести (хотя ему есть за что быть обозоленным по личным причинам), он четко следует букве закона. Но когда он погружается в суть дела и в окружающие его обстоятельства, в его голове поселяются сомнения; а когда он делится ими с коллегами, те мгновенно ополчаются против него.
Именно эта неопределенность, искренность мотивации, движущей и защитника, и обвинителя вперед, отличают этот фильм от многих других. В этом смысле лента очень схожа с фильмом с Камбербэтчем выше: казалось бы, сколько уже на эту тему снято, сколько было сильных работ, чем тут уже можно удивить? Как оказалось, удивить есть чем, и это не только актерская работа Камбербэтча.
Режиссерский дебют лучшей украинской сценаристки Наталки Ворожбит оказался очень успешным. В сценарной основе никто не сомневался — и из-за опыта авторки, и из-за того, что пьеса, на базе которой поставлен фильм, себя зарекомендовала с лучшей стороны. Из-под пера Ворожбит вышли сценарии «Кіборги», «Дике поле», сериала «Спіймати Кайдаша», и все они отличались, в первую очередь, мастерски прописанными диалогами. Естественная речь живых людей, разного возраста и разной географии проживания — вещь сложная для создания в рамках истории на экране. Она может быть либо отталкивающим фактором, либо наоборот, вовлекающим.
Несколько новелл о жизни современного военного востока Украины где-то переплетаются, а где-то никак сюжетно не связаны. Но все они объединены темой существования в новых условиях, а также темой дороги. Именно поэтому дороги и вынесены в название, будь-то проверка документов на блокпосте, или перевозка тела погибшего офицера зимой по безлюдной территории. Иногда это короткие эпизоды, иногда более сложная и длинная история, иногда просто диалоги, а иногда и действие — все пропитано тревогой, напряжением, ожиданием, постепенно угасающей надеждой.
Однозначным позитивным моментом отметим отсутствие ура-патриотизма, за что, разумеется, от части критиков режиссерка получила не лучшие отзывы.
Если составлять список актеров, на которых люди идут в кино (то есть когда главной привлекающей составляющей премьеры является не франшиза, тематика или бюджетная составляющая проекта, а лицо на постере), то помимо несколько раз упомянутого выше Бенедикта Камбербэтча, несомненно, в него попадет и Том Хэнкс. Он крайне редко играет злодеев, зато очень часто играет простого человека, у которого есть понятные жизненные проблемы, в которые веришь и которые физически ощущаешь, глядя на актера.
В «Финче» это усугубляется тем, что по сути, это сольное представление для Хэнкса. Формально, кроме него есть и другие действующие лица, но это роботы, нарисованные мастерами визуальных технологий. Соответственно, почти все экранное время мы проводим с Томом, его мыслями и переживаниями. Несмотря на то, что это постапокалиптический триллер, в первую очередь это все равно человеческая драма об отношениях и потере (пусть и спроецированная на роботов, которые с развитием искуственного интеллекта очень значимо очеловечены). Еще одним почти-человеком и лучшим другом выступает собака. Поскольку подсознательно понимаешь, что до финала фильма вряд ли дотянут все, невольно переживаешь и за собаку, и за персонажа Хэнкса, постепенно приходя к осознанию преступной мысли в собственной голове, что ты пытаешься выбрать, чья потеря была бы более «верной» и менее болезненной.
В будущем в «Финче» солнце убило практически все человечество, которое теперь не может попадать под прямые солнечные лучи и прячется от бесконечных песчаных бурь в хорошо защищенных помещениях. Оставшиеся в живых занимаются поисками еды в заброшенных супермаркетах и аптеках, а столкнувшись друг с другом, представляют бОльшую угрозу, чем песчаная буря и радиация. В этих непростых условиях персонаж Хэнкса смастерил для себя роботов-помощников, последний из которых обучается с помощью искуственного интеллекта и становится все более человечным, что одновременно и облегчает жизнь, и делает ее сложнее.
То, что в один год (даже в течение одного квартала) вышло сразу две премьеры фильмов Ридли Скотта не означает, конечно, что он снимает с такой пулеметной скоростью. Причиной тому пандемия, которая откорректировала сроки выхода в прокат 90% фильмов всей индустрии кино. И тем не менее, работоспособность режиссера в его возрасте поражает. То, с какой безотказностью он выдает интересные истории на самые разные темы, является примером не только творческого долголетия, но и в принципе высочайшего профессионализма.
Именно в этом — интересные истории — и основная сила Скотта. Не каждый фильм может стать революционной вехой для индустрии (как стали его «Бегущий по лезвию» и «Чужой»). Не каждая картина должна быть чем-то визионерским и разрушающим барьеры. Но вот чего точно ждет зритель, так это увлекательных историй, за развитием которых нескучно следить в течение двух с половиной часов. И достигается это не только за счет роскошного актерского ансамбля, но в первую очередь за счет режиссерского видения.
Историю дома Гуччи, который постепенно настолько погряз в распрях и разборках из-за денег и славы, что полностью перешел в руки людей вне семьи, Скотт рассказал, умело совмещая приемы из разных жанров — драмы, комедии, криминального триллера. Леди Гага сыграла Патрицию Реджани, умело женившую на себе Маурицио Гуччи (Адам Драйвер), но слишком жадную для того, чтобы завести свои замыслы до конца. Джереми Айронс (он упоминался куда реже в восторженных отзывах об актерском составе фильма) сыграл аристократичного старомодного отца Маурицио, Аль Пачино — его дядю, а Джаред Лето, трансформировавшийся примерно настолько же, насколько Рассел Кроу сделал для сериала «Самый громкий голос», недалекого сына этого дяди. Отметим также Джека Хьюстона в роли Доменико Де Соле, адвоката семьи, Юссефа Керкура в роли главы Investcorp Немира Кирдара и немного сумасшедший образ гадалки от Сальмы Хайек.
Этому фильму сразу после выхода прочили множество наград, как за лучший фильм, так и за лучшую роль для Бенедикта Камбербэтча. С учетом того, что это третий фильм в списке лучшего за год с участием актера, может сложиться ощущение, что нам очень нравится этот актер. Это действительно так, но не это причина для того, чтобы фильм попал в статью. Сила этой картины в мощной синергии работы над сценарием и режиссурой — все это в руках одной женщины, Джейн Кэмпион. Обладательница Оскара и Золотой пальмовой ветви за фильм «Пианино» с Холли Хантер, она известна также по фильмам «Портрет леди» и «Яркая звезда» и сериалу «Вершина озера». Адаптировав роман Томаса Сэвиджа, Кэмпион последовательно выдерживает линию повествования в двухчасовом полотне, размеренном, атмосферном, медленно разворачивающим действие. Фильм продуман и выдержан в едином визуальном и настроенческом стиле, шаг за шагом раскрываются характеры героев, их прошлое, которое влияет на их поступки.
Для того, чтобы оценить этот фильм, нужно выделить время, чтобы посмотреть его разом, неспешно, но внимательно, не отвлекаясь на телефон и домашние дела. Это не самая простая для просмотра картина, более того, ее финал оставляет немало вопросов, поскольку оставляет пространство для размышлений, а не проговаривает все дословно. Если вы посмотрели этот фильм и не вполне поняли, что же произошло в его заключительной части, рекомендуем посмотреть видео, которое объясняет концовку (но только в том случае, если вы уже посмотрели картину, поскольку видео раскрывает детали сюжета).
Камбербэтч вновь убедителен и многогранен в своей игре, так что все комплименты вполне заслуженны. Помимо Бенедикта в картине также занята семейная пара Кирстен Данст и Джесси Племонс.
Оригинальный фильм по одноименному мюзиклу вышел в 1961 году — 60 лет назад. Теперь до этой истории наконец дошли руки у одного из величайших режиссеров в истории — Стивена Спилберга. Она вышла вновь актуальной, даже с учетом совершенно изменившейся (как порой кажется, но так ли это) повестки современного общества. И настолько сильной, яркой, выверенной, что многие критики называют ее лучшей постановкой по сравнению с картиной 60-х.
По сути, это очередная вариация на тему Ромео и Джульетты, парня и девушки из враждующих семей, которые влюблены друг в друга, несмотря ни на что. Спилберг раньше никогда не работал с мюзиклами, но похоже для мастера нет никакой разницы, в каком жанре снимать следующий фильм. Помимо постановочной и операторской работы невозможно не отметить хореографию и музыкальные номера. Как это ни парадоксально, жанр мюзикла испытывает ренессанс (как и вестерн в новых прочтениях самых разных режиссеров), свидетельством тому успех и «Ла-Ла Ленда», и «Аннетт», и «На высотах Нью-Йорка», и некоторых других картин. Фильм Спилберга наиболее традиционный по сравнению с поисками новых форм у коллег-режиссеров, но это всегда отличало его работы. Он не пытается идти в авангарде, не занимается артхаусом, не снимает ничего иносказательного и малопонятного. Спилберг работает с традиционными формами, линейными историями и чистыми жанрами — и в этих классических рамках регулярно создает шедевры. Даже там, где этого особо уже и не ожидаешь.
В фильме много молодых лиц, многие из которых теперь имеют все шансы сделать хорошую карьеру в Голливуде. Из тех, кого однозначно узнаёт публика, отметим Энсела Эльгорта («Малыш на драйве», «Щегол», «Дивергент»).
««Джон Уик» с Николасом Кейджем«, думаешь после просмотра трейлера. У киллера в исполнении Киану Ривза забрали собаку, у Кейджа — свинью. Оба живут в одиночестве, души не чая в своем питомце. Оба никого не трогают. До тех пор, пока не происходит агрессия извне. Тогда оба выходят в город, и помоги Господь тем, кто станет на их пути…
Все практически так и есть, за исключением того, что «Свинья» — не боевик про разборки мафии и киллеров. Когда фильм начинается, невольно на ум, помимо «Джона Уика» приходит еще одна лента, скроенная по тем же лекалам — «Никто» с Бобом Оденкирком. Там бывший головорез также живет тихой и спокойной жизнью, правда, не в одиночестве, а с семьей. Но когда приходит час, одно лишь упоминание его имени в нужных кругах вызывает панику и благоговение. То же происходит и в фильме с Кейджем, вот только он не достает парабеллум или снайперскую винтовку. Он не избивает плохих парней кулаками, не вступает в бой на ножах, не взрывает дом главного босса. Он работает тихо и прямолинейно гнет свою линию: «Мне нужна моя свинья». И постепенно становится понятно, почему она так важна этому отшельнику, живущему в лесу без мобильного, и почему, собственно, он стал таким отшельником.
Это не боевик, это драма об утрате и о том, как сложно бывает утрату перенести. Об утрате в более широком смысле — суть не в самой свинье, пусть главный герой ее и очень любит. Это было бы слишком примитивно даже для текущей стадии карьеры Николаса Кейджа, в которой он то участвует в отличном авторском кино, но снова погружается в глубины трэша. К счастью, время от времени он все же делает первое — и это всегда стоит посмотреть.
Рука Бога (È stata la mano di Dio)
Паоло Соррентино неоднократно упоминал о том, что Марадона сыграл значимую роль в его жизни (и даже спас саму жизнь). Фигура Диего в том или ином виде появлялась в фильмах режиссера (в «Юности» бывший футболист восстанавливался в том же санатории, что и герои Майкла Кейна и Харви Кейтеля; в «Молодом Папе» и «Новом Папе» кардинал Войелло был заядлым фанатом «Наполи» и, разумеется, Марадоны), но теперь пришло время в полной мере признаться в любви своему идолу.
Это не биография Диего Армандо и вообще фильм не о футболе. Это, скорее, в определенной мере биографическая история самого Соррентино, рассказанная через персонаж с другим именем, но вполне узнаваемая по тем воспоминаниям, о которых ранее говорил режиссер в своих интервью. Понятное дело, что это не буквальная документальная история, а скорее воссоздание атмосферы собственной юности и Неаполя 80-х. Много говорилось о том, что этот фильм напоминает стиль Феллини (и это действительно так, тем более, что это не первый раз, когда Соррентино вдохновляется великим соотечественником), но еще более он напоминает преломление киноязыка Феллини в исполнении еще одного итальянца, Джузеппе Торнаторе. Феллини снял «Амаркорд», Торнаторе снял «Новый кинотеатр «Парадизо»», а теперь и Соррентино снял свою историю детства в итальянской глубинке, переживания и впечатления которого привели к пути режиссера.
Трогательная и комичная одновременно история взросления в большой семье на юге Италии, а где-то на заднем плане постоянно маячит фигура футбольного бога, который одновременно так близок к каждому жителю Неаполя, но в то же время так далек от их повседневных проблем — семейных, рабочих и личностных.
БОНУС
Формально звук металла вышел еще в 2019 году, но как и многие фестивальные фильмы (да еще и с учетом пандемии), до проката дошел лишь в конце 2020 года. До украинского проката (в том виде, в котором он был) он дошел в 2021 году, а потому и мы упомянем о нем в статье о лучших фильмах этого года. С учетом того, что фильм был номинирован на шесть Оскаров (включая лучший фильм года) и получил два, о нем, конечно же, слышали многие, но хорошее кино такого калибра лишний раз порекомендовать однозначно стоит.
Риз Ахмед (и он был именно тем человеком, которому мы желали получить статуэтку за лучшую роль вместо Хопкинса) играет барабанщика альтернативной рок-группы, в которой на вокале его девушка. Внезапно он понимает, что потерял слух. Какое-то время он отрицает проблему и даже пытается продолжать играть на концертах, но суровая реальность сильнее. Он едет в специальный приют для глухонемых, чтобы решить обрушившуюся на него проблему, но здесь сталкивается с новой парадигмой: глухота не является проблемой, и с ней ничего не нужно делать. И хотя сначала кажется, что обитатели приюта лишь утешают себя этой сказкой, постепенно путь главного героя заставляет его посмотреть на эту мысль с другого угла.
Идеальная работа со звуком (что исключительно важно для картины, учитывая ее тематику, сумасшедшая актерская работа от Риза Ахмеда, а наиболее подкупает стиль изложения, где ты словно смотришь документалку, а не художественное кино, настолько все жизненно (даже обыденно), но при этом увлекательно.
Если вам нравится то, что мы делаем, вы можете поддержать наш проект
Также традиционно приводим «список списков» от Артхаус Трафик — перечень списков лучших фильмов 2021 года от ведущих западных киноизданий:
Рейтинги:
Читайте также:
Лучшие фильмы 2018 года
Лучшие фильмы 2017 года
Лучшие фильмы 2016 года
Лучшие фильмы 2015 года
Подписывайтесь на наши страницы в соцсетях:
